作为一名摄影师,奥:记录她对大自然的持续迷恋

澎湃新闻记者 黄松 编译

美国女性艺术家乔治亚·欧姬芙(Georgia O’keeffe,1887-1986)以半抽象半写实的绘画闻名,她笔下的微观花朵、岩石肌理、海螺、动物骨头、荒凉的美国内陆景观构成了独特的视角。然而,近年来新发现的大量摄影,揭示这位现代主义艺术家职业生涯的另一面。

澎湃新闻获悉,7月3日,展览“乔治亚·欧姬芙,摄影师”在美国丹佛美术馆开幕。1950年代中期欧姬芙专注于摄影之时,她的创作身份和独特的艺术性已经确立,摄影展示了艺术家对自然循环和变化的持续迷恋,展览则是向欧姬芙视觉隐喻的迷恋和致敬。

托德·韦伯,《拿着相机的欧姬芙》,1959年,明胶银盐

1922年,欧姬芙若有所思地说:“我被拍了很多照片。”作为传奇摄影师阿尔弗雷德·斯蒂格利茨(Alfred Stieglitz)最喜欢的模特,她经常出现在他的镜头前,在他们结婚两年后,她仍然是经常被拍摄的对象。直至1946年斯蒂格利茨去世时,欧姬芙是他大约330张照片的焦点。

摄影师斯蒂格利茨和画家欧姬芙的故事众所周知,但少有人知的是欧姬芙在镜头后的大量工作。除了她在发表作品中简短提及和一些作为明信片寄给朋友的照片外,欧姬芙将摄影实践留给了自己。展览迫使观众从另一个角度解读欧姬芙。

欧姬芙,《甘蔗地和云》,1939年3月,明胶银盐

展览源于乔治亚·欧姬芙博物馆档案中存放的一盒印刷品。 当休斯顿艺术博物馆摄影策展人丽莎·沃尔普(Lisa Volpe)第一次看到这个盒子并得知里面的内容从未被研究过时,她开始着手研究,历经三年、对400多件作品的分析以后,沃尔普确定欧姬芙是它们的创造者。延伸至其他博物馆发现——包括纽约大都会博物馆,欧姬芙似乎匿名捐赠了七幅签名摄影——这让沃尔普得出“欧姬芙认为摄影是一种重要的艺术表达方式”的结论。

或许是摄影师丈夫潜移默化的指引,让她在1950年代拿出徕卡相机。摄影“一直是我探索的一部分”,“但我目前可能对摄影抱有偏见。”

欧姬芙,《骷髅,幽灵牧场》,1961-1972年,明胶银盐

艺术史学家先前已经注意到欧姬芙早期绘画中含有的摄影特质,当艺术家以摄影的心态考虑作品时,就能看到更多。欧姬芙经常把她的意象框起来,如同通过取景器看到的一般,这是相机强加给摄影师的一种形式,也是在画布上工作的画家一种选择。“我经常想,如果他是一名画家,绘画会发生什么?”欧姬芙1922年的文章中这样描述斯蒂格利茨。她在20世纪20至30年代画作实践可能就是她寻找答案的尝试。

当然,欧姬芙的绘画远不止斯蒂格利茨的影响,她的摄影揭示了她看待事物的方式,也展示了其艺术视野的另一个维度,这是一个有别于她自己的绘画作品,也有别于摄影师丈夫的维度。

欧姬芙,《黑沙滩》,1939年3月,明胶银盐

作为首批在纽约艺术界获得好评的女性之一,欧姬芙对自然世界的简单而深刻的描绘让观众从传统的具体事物中看到抽象,过去很多展览聚焦其绘画作品,此次展览则将她的摄影、精选绘画,以及她的摄影师朋友托德·韦伯(Todd Webb,1905-2000)为其拍摄的照片并列。相机前后像是一场艺术的拼贴——她以照片作为灵感,也作为捕捉自然图像的另一种方式,她将摄影融入了其他艺术门类,展览反映了摄影与绘画的互补方式。

欧姬芙,《曼陀罗》,1964-1968年,明胶银盐

欧姬芙,《吉姆森杂草:白花1号》,1932,布面油画

从创作年代看,欧姬芙的摄影有时是在完成绘画后很久才拍摄的,而且往往大部分是取悦自己:为朋友们拍摄宝丽来照片、一扇门、梯子或一条路的照片,相机捕捉她心爱的美国西南部自然风光,甚至照片中她纽约的住所,也用标志性的西部景观图腾装饰。

类似《羚羊》(Antelope,1943-1946)等作品体现了欧姬芙对自然的热爱。雪地、阳光、灌木……她拍摄了许多她在新墨西哥州的家附近的景色。这些照片不仅是她居住风景的时间胶囊,也是她冒险的经历:犹他州和亚利桑那州的格兰峡谷(Glen Canyon,祖尼人的圣地,他们认为这里是人类出现的地方)、毛伊岛的黑沙滩,以及20世纪50年代的纽约风景。

欧姬芙,《从酒店窗户看克莱斯勒大厦》,约1960年,明胶银盐

欧姬芙似乎并不擅长于技术,她需要依靠专业摄影师设置相机和冲印照片。沃尔普在对展览中作品的顺序和主题的研究中发现,欧姬芙会在角度略有变化的情况下拍摄多张环境的照片,并且会在一天中的不同时间和不同季节拍摄相同的主题。这种做法类似于莫奈的《睡莲》和《干草堆》,尽管策展人将其与莫奈的经典作品相提并论,是为了证明欧姬芙作为摄影师的艺术地位,但重复和调整或许更像是一个业余爱好者慢慢习惯相机的过程。

欧姬芙,《北露台走廊》,1956-1957,明胶银盐

称欧姬芙是业余爱好者并不是贬低她,在大多数情况下,她的相机是绘画的取景器。将欧姬芙所拍摄的西南部环境与她的绘画并列。画是极简的、有时尚未完成;摄影也不像其他艺术作品带给人强大的视觉体验。然而,它们在形式和功能上提供了属于欧姬芙的感受,也可看作不同媒介的绘画。

欧姬芙,《萨利塔·门,天井》,1956-1957年,明胶银盐

·欧姬芙,《有云的露台》,1956,布面油画

快门不仅仅是欧姬芙的“机械画笔”。至少在某些情况下,对设备的生疏让她对熟悉的事物有了新的认识。 “我用相机拍了两三张照片。”她在 1976 年的自传中写道,“为了拍其中一张,我把镜头转到了一个尖锐的角度,拍下了整条路。偶然间的拍摄让这条路像是立了起来,但这让我感到很有趣,我开始将它画成一个新的形状。”在绘画中,她将意外拍摄到的图像,塑造成自己标志性的符号。

欧姬芙,《梯子靠在工作室墙上》,1959-1960

正如展墙上文字所阐述的那样,欧姬芙对“审美秩序和情感表达”的兴趣在她所有作品中得到了证明。展览中最吸引人的是近40年后,她将《新墨西哥山景》(Small Purple Hills ,1934年)等作品变成照片。这样的感觉很神奇,摄影表达的图像仍然足够引人注目,即使在绘画完成几十年后。

欧姬芙,《车库和工作室门》,1956年7月,1977年纽约大都会博物馆收到的匿名捐赠,

从1950年代到1970年代,欧姬芙拍摄了各种的图像,其中许多是对室内和自然世界的光、影和几何尺寸的实验。 她拍摄的窗框、梯子、道路,将你的想象力带到地平线上的漫长道路,让人重新思考和观察我们周遭世界的意味。

(注:此次展览由休斯顿艺术博物馆(MFAH)与乔治亚·欧姬芙博物馆合作举办,展览将持续至11月6日;本文编译自《Houstonia Magazine》作者Doni Wilson和《Forbes》作者Jonathon Keats对展览的评论)

责任编辑:顾维华

校对:栾梦

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